Antonio Muñoz Molina, El atrevimiento de mirar.
La obra de Pissarro en el Museo Thyssen.
Hasta el 15 de septiembre de 2013.
Camille Pissarro es uno de los fundadores del Impresionismo. Era el mayor del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron. Tuvo como alumnos a Paul Gauguin, y Paul Cézanne.
Nació el 10 de julio de 1830 y era hijo de un próspero comerciante judío. A los 12 años viajó a París para realizar sus estudios y el ambiente de la ciudad despertó en él su interés por el arte. De regreso a Santo Tomás, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo que trabajó en el comercio paterno mientras realizaba bocetos inspirados en la Isla.
En 1852 como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl, pintó paisajes y escenas de costumbres. En 1855 se trasladó a París, estudió en la Escuela de Bellas Artes, en la Academia Suiza, y más tarde, con el paisajista francés Camille Corot.
Más tarde, influenciado por Seurat y Signac, experimentó el puntillismo, que consiste en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color yuxtapuestas, por ejemplo en La calle Saint-Honoré después del mediodía. Las críticas recibidas lo llevaron a abandonar esta técnica y a retomar el impresionismo.
Más información:
http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2013/pissarro/index.html
http://www.Camille Pissarro, el primer impresionista,Entorno, expansion.com
http://www.masdearte.com
Camille Pissarro es uno de los fundadores del Impresionismo. Era el mayor del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron. Tuvo como alumnos a Paul Gauguin, y Paul Cézanne.
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| Entrada del pueblo. |
En 1852 como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl, pintó paisajes y escenas de costumbres. En 1855 se trasladó a París, estudió en la Escuela de Bellas Artes, en la Academia Suiza, y más tarde, con el paisajista francés Camille Corot.
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El camino
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Conoció a Monet, Cézanne y Guillaumin y frecuentó el Café Guerbois, donde se reunían un gran número de artistas y escritores para discutir ideas.
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| El camino de la Opera. |
Viajó a Londres y allí coincidió con Monet, juntos hicieron estudios de edificios envueltos en nieblas. Ambos conocieron a Durand-Ruel, que se convirtió a partir de ese momento, en el marchante oficial del grupo. Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo y su paleta irá adquiriendo luminosidad.
Al volver a Francia después de su estancia en Londres, él junto a Manet, Monet, Renoir, Sisley y Guillaumin decidieron formar el grupo. Así nació el impresionismo. Participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador (1874-1886).
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| Rouen, Rue de l'Épicerie |
Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), marchó a Inglaterra. A su vuelta, su casa había sido saqueada y parte de sus pinturas estaban destruidas. Atraído por los paisajes, decidió alquilar una casa en Pontoise, en esa zona está inspiradas muchas de sus obras.), Los tejados rojos (1877), Primaveraen Pontoise (1877).
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| El puente de Boieldien. |
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| El bosque de Marly. |
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| Camino de Versalles. |
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| Perales. Con la técnica puntillista. |
Cuando la enfermedad ocular que padecía, empeoró tuvo que abandonar la pintura al aire libre y centrarse en escenas urbanas que pintaba desde la ventana de su casa: Montmatre, Avenida de la Ópera, Jardín de las Tullerías y Efecto de nieve, Murió en París en 1903.
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| El Boulevard Montmartre, mañana de invierno. Préstamo del Metropolitan Museum of Art. |
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| Montmatre en invierno |
Vivió eclipsado por la figura de Monet, que era "más seductor, con una pintura más variada, más colorista y más comercial", según Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen- Bornemisza y comisario de la exposición Pissarro. Con ella, la pinacoteca pretende devolverle el lugar que le corresponde, no sólo como padre del impresionismo, sino como uno de los fundadores de la modernidad. Y es que si algo caracterizó a Pissarro era enseñar a los demás, pero lo hizo siempre de forma discreta, como "el padre de todos nosotros, el bon dieu", según Gauguin. Este merecido homenaje, el primero que se rinde en España, al artista "humilde y colosal", como lo definió Cézanne, en forma de exposición monográfica, reúne un total de 79 obras.
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| Pissarro junto a su esposa. |
Más información:
http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2013/pissarro/index.html
http://www.Camille Pissarro, el primer impresionista,Entorno, expansion.com
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Dalí en el Museo Reina Sofía de Madrid
Dalí: todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas
Del 27 de abril al 2 de septiembre.
.Salvador Dalí. Muchacha en la ventana (1925)
En unos días quedará abierta al público en el Museo Reina Sofía una de las muestras más esperadas de esta primavera y la segunda más vista en la historia del Centre Pompidou: "Dalí. Todas las sigestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas".
La exposición busca revalorizar al Dalí pensador, escritor y creador de una personalísima visión del mundo a través de sus piezas menos divulgadas y de sus emblemáticas La persistencia de la memoria (1931), prestada por el MoMA; Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la guerra civil) (1936), llegada del Philadelphia Museum of Art; Metamorfosis de Narciso (1937), que vendrá de la Tate Modern, o La tentación de San Antonio (1946), procedente de Bruselas.
El período surrealista de Dalí y su desarrollo del método paranoico-crítico constituirán el eje de la muestra que se podrá ver en el MNCARS, que quiere ayudarnos a entender los mecanismos empleados por el catalán para transformar y subvertir la realidad. Sus pinturas se acompañarán de dibujos, material documental, fotografías, manuscritos, revistas, películas y films.
Salvador Dalí. Autorretrato con cuello rafaelesco, 1920-1921. Fundació Gala-Salvador Dalí
La exhibición se iniciará con una sección dedicada a sus obras tempranas, en las que predominan los elementos que marcaron su infancia, como la familia y su entorno. De ella formarán parte Retrato de mi padre (1925) o Muchacha en la ventana (1925). Su llegada a la Residencia de Estudiantes a finales de 1922 y su amistad con Federico García Lorca y Buñuel le llevó a conocer a fondo a los poetas de la Generación del 27.
En esta época se deja inspirar por las vanguardias internacionales y coquetea con el cubismo, el fauvismo o el futurismo. Veremos en el MNCARS la serie de dibujos Putrefactos y un conocido Retrato de Buñuel (1924).
La muestra nos guiará después hacia una sección dedicada a Autorretratos, significativos para entender la visión que Dalí tuvo de sí mismo a lo largo de su vida, desde su Autorretrato con cuello rafaelesco (1921) hasta el film realizado con Jean-Christophe Averty, Autoportrait mou de Salvador Dali, de 1966.
De su etapa plenamente surrealista, el Museo Reina Sofía mostrará El Gran Masturbador (1929), La persistencia de la memoria (1931), Guillermo Tell (1930) o El Espectro del Sex-Appeal (1934). Frente al automatismo pasivo del surrealismo (materializado en el dibujo automático, los cadáveres exquisitos...), Dalí propuso un método activo basado en el delirio de la interpretación paranoica.
Salvador Dalí. El espectro del sex-appeal, 1934. Fundació Gala-Salvador Dalí
A continuación se dedicarán secciones específicas a la relectura que el artista hizo del Angelus de Millet; al surrealismo después del 36, con algunos objetos surrealistas, y al tema de la guerra. Veremos también treinta dibujos originales que ilustraron el libro La Vida Secreta de Salvador Dalí y testimonios de los proyectos cinematográficos experimentales que llevó a cabo para Hitchcock y Walt Disney.
Durante el periodo de huida de la guerra, el artista se traslada a Nueva YorK, donde se dedica a exponer y provocar al público americano. Él mismo declaraba al rspecto: " Los críticos ya distinguen entre el surrealismo antes y después de Dalí. Lo blando, la decoración delicuescente, viscoso, lo biológico, la putrefacción, eso era Dalí. Un objeto medieval imprevisto, eso era Dalí. Un filme im posible con arpistas y direcciones de orquesta adúlteros, eso también era Dalí. El pan de París ya no era el pan de
París. ¡Era mi pan, el pan de Dalí, el pan del Salvador!".
La Segunda Guerra Mundial favoreció el inicio de su periodo místico-nuclear, presente en piezas como Cabeza rafaelesca estallando (1951) o La máxima velocidad de la Madonna de Rafael (1954). Desde los sesenta y hasta su fallecimiento en los ochenta, la ciencia y las nuevas tecnologías le indujeron a la exploración de lenguajes válidos para el futuro en trabajos como Dalí de espaldas pintando a Gala de espaldas eternizada por seis córneas virtuales provisionalmente reflejadas en seis verdaderos espejos (1972- 1973) o Cola de golondrina y violonchelos (1983), basada en la teoría de las catástrofes del matemático René Thom, y en los grandes maestros, comoVelázquez o Miguel Ángel.
Durante el periodo de huida de la guerra, el artista se traslada a Nueva YorK, donde se dedica a exponer y provocar al público americano. Él mismo declaraba al rspecto: " Los críticos ya distinguen entre el surrealismo antes y después de Dalí. Lo blando, la decoración delicuescente, viscoso, lo biológico, la putrefacción, eso era Dalí. Un objeto medieval imprevisto, eso era Dalí. Un filme im posible con arpistas y direcciones de orquesta adúlteros, eso también era Dalí. El pan de París ya no era el pan de
París. ¡Era mi pan, el pan de Dalí, el pan del Salvador!".
Madona de Rafael a toda velocidad
"Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas"
c/ Santa Isabel, 52
28012 Madrid
Del 27 de abril al 2 de septiembre de 2013
De lunes a sábado, de 10:00 a 21:00 horas
Domingo, de 10:00 a 14:30 horas
INFORMACIÓN RELACIONADA
Los talleres de Dalí. Figueras, 01/04/2013
Premio Globo de cristal para la muestra "Dalí" del Centre Pompidou. París, 08/02/2013
Hallan un oríginal de Dalí entre objetos usados de una donación. Takoma, 21/11/2012
Dalí en tiempos de surrealismo. París, 19/11/2012
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TELÉFONICA. UN MAGNÍFICO ESPACIO CULTURAL
El 10 de mayo DE 2011 abrió sus puertas, en su tradicional sede de la Gran Vía madrileña, el Espacio Fundación Telefónica, que ampliará a 6.370 metros cuadrados su superficie destinada a la cultura.
El 10 de mayo DE 2011 abrió sus puertas, en su tradicional sede de la Gran Vía madrileña, el Espacio Fundación Telefónica, que ampliará a 6.370 metros cuadrados su superficie destinada a la cultura.
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| Una impresionante vista de la escalera desde abajo |
El renovado Espacio Fundación Telefónica se distribuye en cuatro plantas: en la baja, encontraremos hall de acceso y tienda; en la primera, un auditorio destinado al desarrollo de debates, jornadas educativas, conferencias, proyecciones cinematográficas, presentaciones editoriales y la muestra "Historia de las telecomunicaciones
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| Desde arriba |
En la cuarta planta podremos visitar la Colección de arte Cubista de la entidad.
Múltiples y dinámicas, estas expresiones cubistas buscaron el diálogo entre la pintura y la poesía. Entre otras, destacan las obra de Juan Gris, André Lhote, Georges Valmier, Rafael Barradas y María Balnchard.
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| Bodegón de Maria Banchard. |
Sobre todo me encantaron los libros, las revistas de arte, tanto españolas como extranjeras, europeas y americanas, y las publicaciones, en general, relativas al cubismo: Cahiers d´Art, L´Esprit Nouveau, Transition, The Little Review...
| La cantante, de Juan Gris. |
Yen la tercera planta la fotografía de Shirin Neshat
Del 6 de junio al 1 de septiembre de 2013.
La exposición recoge una selección de obras en las que el cuerpo se convierte en gran expositor de algunas de las cuestiones más complejas de la idiosincrasia del mundo islámico. En él y a través de él, Neshat nos habla de las diferencias de género que imponen modos distintos de representación, de los estereotipos que enfrentan Oriente y Occidente, pero también de los propios de la sociedad islámica con respecto a la mujer, de la nostalgia por el pasado y de la profunda transformación de una región con más de 2.000 años de historia.
Su infancia transcurrió en el seno de una familia de clase media que preconizaba los valores de la sociedad del Shah. De modo consecuente a esta postura familiar de admiración por los valores e ideología occidentales, Shirin Neshat comienza sus primeros estudios en una escuela católica de Teheran. Así se va arraigando en ella su feminismo de raíz occidental, rasgo fundamental en su obra. El padre de Neshat en cada una de sus hijas e hijos, sin distinción, el anhelo por adquirir una importante preparación académica, de modo que todos ellos fueron universitarios.
En 1974, a los 17 años, Shirin Neshat viaja hacia la ciudad de Los Ángeles para estudiar arte. Mientras permanecía fuera de su país, se produce en este la conocida Revolución Islaámica iraní de 1979, que trajo como resultado la reestructuración política y la instauración de una sociedad tradicional islámica en Irán.
De regreso a Irán, Neshat quedó fuertemente impresionada por el país desconocido que tenía ante sus ojos, conmoción que trajo consigo por un lado una explosión de creatividad y por otro una mirada al Irán más espiritual. De ahí que sus fotografías y vídeo proyecciones tengan un marcado componente ritual. Las poses de los sujetos recuerdan a atávicas ceremonias religiosas. Cánticos y bailes ancestrales se incardinan en sucesos políticos y sociales contemporáneos.
Alusivo a la tradición pero con una intencionalidad diferente es también el uso que la artista hace de la combinación de caligrafía y representación figurativa típica del arte persa. Un juego de opuestos para mostrar el contexto dual en el que se desenvuelve la mujer en el mundo islámico.
Shirin Neshat en Escrito sobre el cuerpo, presenta una mirada íntima y contestataria, libre pero a la vez ligada a su herencia islámica, que trasciende los dramáticos acontecimientos del mundo actual a través del arte.
Shirin Neshat en Escrito sobre el cuerpo, presenta una mirada íntima y contestataria, libre pero a la vez ligada a su herencia islámica, que trasciende los dramáticos acontecimientos del mundo actual a través del arte.
Shirin Neshat (1957, Qazvin, Irán), vive y trabaja en EE.UU. desde 1974. Ha realizado exposiciones individuales en centros de arte y museos por todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de México DF, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Walker Art Center de Minneapolis, el Espoo Museum of Modern Art (Finlandia), el Castello di Rivoli en Turín, el Dallas Museum of Art, el Wexner Center de Columbia (Ohio), el Art Institute of Chicago, la Serpentine Gallery de Londres, el MUSAC de León o el Hamburger Bahnhof de Berlín.
En 1999 ganó el León de Oro de la XLVIII Bienal de Venecia. En el 2009 fue galardonada con el León de Plata a la mejor dirección de la Mostra de Venecia por su película Women without Men (Mujeres sin hombres). También ha recibido reconocimientos como el Hiroshima Freedom Prize y el Lillian Gish Prize.
En 2008, su exposición individual Mujeres sin hombres inauguró el ARoS Kunstmuseum en Dinamarca, viajó a la Galería Nacional de Arte Contemporáneo en Atenas y abrió el Kulturhuset Stockholm en otoño de ese mismo año.
La sala permanece oscura, con un montaje que nada tiene que ver con la luminosidad de la anterior retrospectiva que vimos en el mismo lugar, la de Virxilio Vieitez. En las fotografías domina el blanco y negro, con las mujeres cubiertas de palabras y escondidas bajo el velo. Es la historia mitológica de Irán.
Es una de las exposiciones estrella de PhotoEspaña y puede que no acuda el público en masa, pero los que vayan podrán sentir todo el mundo interior de Shirin Neshat.
Es una de las exposiciones estrella de PhotoEspaña y puede que no acuda el público en masa, pero los que vayan podrán sentir todo el mundo interior de Shirin Neshat.
Espacio Fundación Telefónica
C/ Fuencarral, 3
Madrid.
espacio.fundaciontelefonica.com
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Joaquín Sorolla (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, Madrid 1923) fue un pintor y artista gráfico español. Uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado a veces como impresionista, en realidad su estilo se define mejor como luminista, porque prestaba una especial atención a los efectos de la luz.
Obtuvo gran éxito en Valencia y, como consecuencia, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas.
Con su amigo, el también pintor Pedro Gil, se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, conociendo de cerca la pintura impresionista, que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo. Toma así contacto con las vanguardias europeas, destacando el impacto que le producen las obras de los pintores John Singer Sargent, Giovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.
En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García en Valencia, pero vivirían un año más en Italia, esta vez en la localidad de Asís. Luego se instalaron en Madrid y, en apenas cinco años, Sorolla alcanzó fama y prestigio como pintor.
Esta casa se construye entre 1910 y 1911, habitándola la familia a finales de este año. En su disposición Sorolla intentó separar su zona de trabajo, compuesta por tres estudios encadenados y con acceso directo desde el jardín, de la propia vivienda, que se componía de un amplio salón, un comedor y una pequeña salita en la planta principal y de cuatro dormitorios, en la planta segunda alrededor de un distribuidor.
Pero los jardines, íntimos y coquetos, un recuerdo de los más genuinamente españoles, van a ser llevados a los lienzos varias veces por Sorolla, consiguiendo una gran libertad técnica y expresiva en su realización. Serán el último refugio del artista, al final de su vida.
Paseo del General Martínez Campos, 37, 28010 Madrid
Teléfono:913 10 15 84
Horario
| lunes | Cerrado |
| martes | 09:30 – 20:00 |
| miércoles | 09:30 – 20:00 |
| jueves | 09:30 – 20:00 |
| viernes | 09:30 – 20:00 |
| sábado | 09:30 – 20:00 |
| domingo | 10:00 – 15:00 |
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Exposición "EL PAPEL DE LA MOVIDA. Arte sobre papel en el Madrid de los ochenta.
Museo ABC
La exposición "EL PAPEL DE LA MOVIDA. Arte sobre papel en el Madrid de los ochenta" en la sede del Museo ABC (Amaniel 29-31). Guiones originales de Almodóvar, comics de Mariscal, fotos de Alberto García-Alix, retratos de Rossy de Palma como musa, portadas de Juan Gatti, letras de Alaska... Y así hasta un total de 500 piezas y 200 creadores que se pueden ver en la muestra comisariada por Pablo Sycet.
Además, la exposición reúne también dibujos de Fernando Vicente y El Hortelano, cómics de Nazario, diseños de Pepe Rubio y Jesús del Pozo, mezclados con trabajos de Ouka Leele y Manolo Quejido y literatura de Vicente Molina Foix y Luis Antonio de Villena o letras de canciones de Luz Casal y Gabinete Caligari. Sin poder llegar a hacer un recorrido enciclopédico, -es inabarcable-, se ha intentado mostrar el mayor número posible de obras –casi 500- donde el papel, como soporte, es testigo de la efervescencia de los ochenta.
La exposición reúne a más de 200 creadores y demuestra que fue época de muchas copas, pero también de mucho trabajo. Están representadas todas las disciplinas artísticas: los dibujos de Ceesepe, Fernando Vicente y El Hortelano, los cómics de Nazario, Mariscal y Kiko Feria, los diseños de Manuel Piña, Pepe Rubio y Jesús del Pozo, las fotografías de Alberto García-Alix, Miguel Trillo y Pablo Pérez-Mínguez, las portadas de Óscar Mariné, Juan Gatti y Diego Lara,... Están Costus –se cuenta que todo se empezó a cocinar en su piso de la calle de la Palma- mezclados con trabajos de Ouka Leele, Manolo Quejido y Carlos Franco, y la literatura de Vicente Molina Foix, Eduardo Mendicutti y Luis Antonio de Villena, el cine de Almodóvar y Colomo –se exhiben originales de guiones de sus películas- o letras de canciones de Alaska, Luz y Gabinete Caligari.
Este cúmulo de creatividad situó a la capital en el circuito cultural internacional y fue el escaparate de una joven democracia que deseaba abandonar el gris de décadas anteriores para mostrar una nueva cara.
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"Seducidos por el arte. Pasado y presente de la fotografía"
en CaixaForum.
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La Obra Social”la Caixa”, en colaboración con la National Gallery de Londres, presenta esta innovadora exposición sobre la relación entre los grandes maestros de la historia del arte, la fotografía de mediados del siglo XIX y el fascinante trabajo de fotógrafos contemporáneos desarrollados en relación con sus antecesores.
"Seducidos por el arte. Pasado y presente de la fotografía" presenta, por un lado, la historia del arte como motor de innovación de la fotografía del siglo XIX y, por otro, los orígenes de la fotografía como catalizadores del trabajo de fotógrafos contemporáneos. Las pinturas y las obras fotográficas, antiguas y contemporáneas, se presentan agrupadas de acuerdo con los géneros tradicionales, como el retrato, el bodegón o el paisaje, para poder explorar las relaciones que se establecen tanto con respecto al estilo visual, como a la experimentación técnica o al método artístico.
La exposición reúne algunos de los fotógrafos británicos y franceses más importantes, junto con las obras de los artistas contemporáneos internacionales, entre las que hay fotografías y vídeos especialmente creados para la exposición y que no han sido mostrados antes al público. Así, obras excepcionales de los grandes maestros como por ejemplo Gainsborough, Ingres, Vernet o Fantin-Latour dialogan con artistas contemporáneos de la talla de Craigie Horsfield, Rineke Dijkstra, Thomas Struth, Richard Learoyd, Ori Gersht y Beate Gütschow, que a su vez exploran la deuda que tienen con sus predecesores del siglo XIX, como Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray o Roger Fenton, también presentes en la muestra.
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Mariano Benlliure
en la Real academia de Bellas Artes de San Fernando
HASTA EL 30 DE JUNIO
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La Dirección General de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid y el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana han organizado esta exposición como colofón de las actividades realizadas con motivo del 150 aniversario del nacimiento del escultor valenciano.
“Mariano Benlliure. El dominio de materia” reúne 51 obras del escultor, la mitad de las cuales se exponen en España por primera vez. Madrileños y visitantes podrán disfrutar de la obra del escultor hasta el próximo 30 de junio y, posteriormente, la muestra viajará al Centro del Carmen de Valencia, donde permanecerá hasta el mes de septiembre. Ambas regiones están estrechamente vinculadas a Mariano Benlliure, pues en Madrid residió gran parte de su vida, tuvo su estudio y acometió el mayor número de encargos oficiales y privados; y Valencia fue su ciudad natal.
La obra de Benlliure es muy amplia y de gran variedad. El artista dominó todos los materiales, géneros y técnicas de la escultura, realizando una producción cercana a las 4.000 obras, entre las que se incluyen apuntes, dibujos y pinturas. Destacan los encargos de monumentos públicos y funerarios, que llegan a sumar un centenar en todo el mundo.
La exposición recoge una selección de obras procedentes tanto de instituciones públicas, como Patrimonio Nacional, el Museo Nacional del Prado, el Congreso de los Diputados, el Museo de Bellas Artes de Valencia, el Musée d'Orsay, la Real Academia de la Historia, la Embajada de España en París o la Embajada de Italia en Madrid, entre otros; como de colecciones particulares.
“Mariano Benlliure. El dominio de la materia” ha sido comisariada por Leticia Azcue Brea (doctora en Historia del Arte, académica correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y jefe de Conservación de Escultura y Artes Decorativas del Museo Nacional del Prado) y Lucrecia Enseñat Benlliure (arquitecto y vicepresidente y directora de la Fundación Mariano Benlliure, además de bisnieta del artista) quienes la han estructurado en cinco apartados.
Bajo el título ‘Temas libres’ se recogen una serie de piezas alegóricas y de temática infantil, en las que el artista desarrolló toda su capacidad creativa, como en el caso de “Idilio”. En la sala dedicada a ‘Monumentos, bocetos y proyectos y arte funerario’, se muestra la forma en la que el artista gestaba y formalizaba sus proyectos monumentales, a través de una selección de diseños y modelos, entre los que cabe resaltar el “Boceto de la Estatua Ecuestre de Alfonso XII” para el monumento ubicado en el Retiro.
Un tema muy presente en la producción de Benlliure, la tauromaquia, tiene dedicada una sección, en la que resalta el grupo “El encierro o Conducción de una corrida”, donde el escultor fijó en el bronce el movimiento de seis toros y cabestros conducidos por el mayoral. En el espacio ‘Artes decorativas’ se reúne un amplio abanico de piezas -en su mayoría inéditas-, de variados materiales, mediante los que se destaca la minuciosidad y versatilidad del trabajo del escultor. Cabe destacar “Hacha para la botadura del acorazado Alfonso XVIII”, de 1913. Las dos últimas salas están dedicadas a los ‘Retratos’ ofreciendo una selección de representaciones de la familia real, la aristocracia, intelectuales, artistas y familiares del artista.
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En el Museo del Prado
12 de marzo
16 de junio de 2013
Los alumnos de TÍLTIDE han realizado esta semana una visita muy especial a las exposiciones que ofrece el Museo del Prado.
Dirigidos por nuestra profesora, Isabel Pinedo (Licenciada en Historia del Arte por la UAM).
Empezamos con la obra de JUAN FERNÁNDEZ, EL LABRADOR, un singular maestro del Siglo de Oro español, prácticamente desconocido hoy, pero muy valorado en su tiempo. Campesino de origen, y de ahí su apodo, extremeño, al servicio de Giovanni Battista Crecenzi, marqués de la Torre (1577-1631), pintor aficionado. A través de él, Juan Fernández entra en contacto con el embajador inglés y la corte inglesa y más tarde será uno de los pintores preferidos de Ana de Austria, esposa del rey francés.
Su obra es un ejemplo de virtuosismo y prodigio, que tiene como tema la naturaleza: uvas, manzanas, membrillos frutos secos... Algo nuevo que no se impondrá como tema hasta el siglo XVII.
En una parada nos situamos ante la GIOCONDA, ahora un icono del museo. Esta, que se encontraba en el Prado desde su inauguración, procedente de las Colecciones Reales, es la más antigua que se conoce, y sobre todo presenta la particularidad de que fue pintada al mismo tiempo y en el mismo taller que la original, por un alumno de Leonardo. Esta singularidad se descubrió gracias al proceso de estudio y restauración al que fue sometida a partir de 2010 ante una petición de préstamo para una exposición temporal en el Museo del Louvre de París (propietario de la obra original)
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También visitamos los TRÍPTICOS CERRADOS. Son en su mayoría grisallas, pinturas obtenidas con gradaciones de blanco y negro, que aparecen en los reversos de los trípticos, y que solo se ven, por lo tanto, cuando están cerrados.
Destacan las realizadas por El Bosco en La Adoración de los Reyes Magos o El jardín de las Delicias
Observamos La Creación del mundo (1500-1505) es la grisalla trasera de El jardín de las Delicias, de una modernidad y una belleza sorprendentes.
La última parada la realizamos ante la presentación temporal: Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864). Son obras de pintores del XIX becados por La Academia de Roma, entre ellos Eduardo Rosales o Luis Madeazo, el pintor de la obra que aparece a continuación El entierro de Santa Cecilia...
Serenidad y academicismo en los temas clásicos pintados por estos artistas. Extraña la convivencia de estas obras con la pintura europea: Monet, Manet, en Francia, nuestro Sorolla., etc.
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EXPOSICIÓN EN EL THYSSEN: HIPERREALISMO
HASTA EL 9 DE JUNIO DE 2013
Esta exposición propone por primera vez en España, un recorrido por la genealogía de este movimiento desde sus inicios hasta la actualidad. El hiperrealismo nació en Estados Unidos a finales de los años sesenta y fue bautizado por Louis K. Meisel con el nombre de photorealism. Su definición establecía que eran “fotorrealistas” aquellos artistas que empleaban la cámara fotográfica sin reparos como instrumento para la pintura, trasladaban al lienzo la imagen empleando recursos mecánicos, semimecánicos o técnicos, con una ejecución minuciosa que permitía la realización de pinturas cuya nitidez producía una ilusión fotográfica. El nuevo movimiento heredaba del pop la pasión fetichista por los escaparates, los automóviles y las motos relucientes, los diners, la arquitectura art decó, la iconografía kitsch y la fascinación por pintar, no las cosas, sino las imágenes estereotipadas de las cosas.
Los hiperrealistas utilizan la cámara fotográfica como herramienta para documentar el día a día de la vida norteamericana, pero también para investigar sobre la percepción y cómo la fotografía ha cambiado nuestra relación con lo que consideramos la realidad objetiva. Partiendo de imágenes fotográficas, estos artistas se recrean por un lado en el close-up, en la más extrema proximidad, en los detalles agigantados, como los tubos de pintura de Audrey Flack o los juguetes de hojalata de Charles Bell. Y por otro lado, en el paisaje panorámico: desde Richard Estes hasta Ben Johnson, toda una línea de pintores que se han consagrado, emulando a Canaletto o Bellotto, a una reinvención del vedutismo en las ciudades actuales.
El hiperrealismo tuvo su consagración en la Documenta 5 de Kassel en 1972 dirigida por Harald Szeemann y desde entonces muchos artistas han continuado trabajando con esta técnica ampliando el abanico de motivos y herramientas.
Debido al avance de las tecnologías, la producción hiperrealista más reciente ha conseguido un grado de nitidez en “alta definición”. La muestra cuenta con más de sesenta obras pertenecientes a tres Generaciones de artistas, partiendo de los primeros artistas norteamericanos como Richard Estes, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell o Chuck Close, para continuar con su proyección internacional hasta hoy en día.
HASTA EL 12 de mayo de 2013
En el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
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| Camille Corot Paysanne en forêt de Fontainebleau, 1830. |
Analizar el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX es el objetivo principal de esta exposición.
En general, tendemos a relacionar la pintura al aire libre con el impresionismo pero, cuando Monet, Renoir, Sisley o Pissarro empezaron a exponer sus obras en el estudio del fotógrafo Nadar, en 1874, la pintura en plein air llevaba ya casi un siglo de desarrollo.
Los estudios al aire libre constituyeron, de hecho, parte fundamental de la formación del pintor de paisajes desde fines del siglo XVIII. Más tarde, convertida en eje del naturalismo, su potencialidad renovadora se extendió hasta finales del siglo XIX.
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| Van Gogh, Paisaje bajo un cielo tormentoso, 1889 |
La muestra reunirá alrededor de 100 obras en un arco cronológico que va desde 1780 hasta 1900, aproximadamente; desde los iniciadores del paisaje al aire libre, como Pierre-Henri de Valenciennes y Thomas Jones, a artistas como Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny y todos los grandes maestros del impresionismo, hasta llegar al cambio de siglo con Van Gogh o Cézanne, entre otros muchos nombres imprescindibles.
La disposición de las obras sigue un orden temático (con una ligera progresión temporal) casi basándose en el manual que sobre la pintura escribió Valenciennes y que resulta un diccionario de términos a los que se tenían que enfrentar los artistas.
Repartidas a lo largo de siete salas.
1.- Ruinas tejados y azoteas
Las ruinas y los elementos arquitectónicos constituían, en el siglo XVIII, uno de los elementos integrantes de la pintura de paisaje. Los artistas se centraban no tanto en el detalle sino en la correcta plasmación del motivo en su conjunto, en sus formas y texturas, y en sus valores tonales. Destacan los dos cuadros de Pierre-Henri Valenciennes Loggia en Roma: tejados al sol y en penumbra, 1782-84.
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| Camille Corot |
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| Pierre-Henri Valenciennes Loggia, Tejados al sol |
2.- Rocas
Desde sus inicios está presente en la pintura de paisaje. Pero el protagonismo de las rocas llegó de la mano de la Escuela de Barbizon (a partir de 1830). Al final de esta sala nos encontramos con dos magníficos cuadros de Paul Cézanne (1839-1906), Peñascos en el bosque y Rocas y ramas en Bibémus.
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| Claude Monet: "Acantilado de Dieppe" (1882) |
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| Peñascos en el bosque, Paul Cézanne |
3.- Las montañas
Las montañas no fueron objeto de los pintores hasta finales del siglo XVIII. Están presentes cuadros de Carlos de Haes, de Sorolla y de Hodler entre otros relevantes pintores.
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| Carlos de Haes. Los Picos de Europa. 1876. |
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| La montaña Sainte Victoire, Paul Cezanne |
4.- Árboles y plantas
A finales del siglo XVIII una costumbre muy extendida, sobre todo en Italia fue la de ejecutar del natural estudios de los más bellos y pintorescos árboles y plantas. Pero será en Francia a principios del siglo XIX cuando alcanza su mayor desarrollo. A comienzos de la década de 1860 los pintores impresionistas pintaron los árboles en el bosque de Fontainebleau. López-Manzanares destacó que fue la primera reserva natural en el mundo, hasta la creación del Parque Nacional de Yellowstone en los Estados Unidos.
Es muy numeroso este apartado con excelentes obras de Corot, Rousseau, Van Gogh, Monet, Cézanne, etc.
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| Paul Gauguin. Paisaje de Bretaña. Le Pouldu. 1889. |
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| El sueño, Henri Rousseau. |
5.- Cascadas, lagos, arroyos y ríos
Desde los orígenes del género del paisaje, el agua está muy presente en los cuadros, contribuyendo a imprimir gran variedad y frescura a los mismos. En este espacio podemos contemplar grandes y bellas obras de Hodler, Corot, Turner, Daubigny y Courbet (con su magnífico Château de Chillon).
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| Charles Francois Daubigny (1817-1878) "Paisaje Lacustre" |
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| Château de Chillon, Gustave Courbet. |
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| El muelle viejo de Brighton, Turner |
http://www.museothyssen.org/
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