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31 de julio de 2017

HENRI MATISSE - MAESTRO EN EXPRESAR SENTIMIENTOS A TRAVÉS DEL COLOR

Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media.


AUTORRERATO

LA GENOU DEL NIVEL, 1922

LA ALEGRÍA DE VIVIR, 1905




INTERIOR ROJO. NATURALEZA MUERTA SOBRE UNA MESA AZUL


COIFFEUR

HABITACIÓN ROJA

CAFÉ ÁRABE


LA RAYA VERDE, (MADAME MATISSE) 1905


Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura.

En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos.

A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. 



LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD, 1904

CHICA JOVEN CON VESTIDO VERDE, 1921


PIANISTA Y JUGADORES DE DAMAS


SENTADO DESNUDO SOBRE COJÍN AZUL

LA MÚSICA, 1911

INTERIOR CON FONÓGRAFO, 1924

FIGURA DECORATIVA SOBRE FONDO ORNAMENTAL 


Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro.

Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior.

Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa.

Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros.





BODEGÓN

NATURALEZA MUERTA CON NARANJAS, 1913

BODEGÓN SOBRE MANTEL AZUL

NATURALEZA MUERTA CON MESÓN VERDE, 1928



EL LUJO, 1926

ODALISCA CON BOINA ROJA, 1926


MICHEANGELLA, 1941

CONVERSACIÓN, 1941

En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905.

A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.

Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo).

Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística.







ODALISCA CON UNA FALDA DE GASA, 1929

SEVILLA MUERTA, 1911

ODALISCAS, 1928

MANTÓN DE MANILA, 1911
DESNUDO ROSA



SATIRO Y NINFA, 1909

EL TELÓN DE EGIPTO, 1948

mujer con pantalón a rayas

Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas.

A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total.

Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante.



EL MARROQUÍ AMIDO, 1912


Young Woman in a Blue Blouse (Portrait of Lydia Delectorskaya, the Artist's Secretary). 1939.
MARRUECOS MUJER (PIE ZORA) 1912


Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951.

Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. 

Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal. 


ODALISCA CON PANTALONES ROJOS

DAMA DESNUDA

REUNIÓN FAMILIAR

LA DANZA



VENTANA AZUL

ICARUS

PECES DORADOS

MUSIC


Fuente:
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=307

Entrada que he tomado del blog de Imna: elrincondemisdesvarios. Gracias, amiga. Me encanta tu blog.


5 de junio de 2017


Rosa Barba


Registros de tránsito solar

17 mayo – 27 agosto, 2017 /
Palacio de Cristal. Parque del Retiro

© rosa barba 2017
© rosa barba 2017

El medio cinematográfico, desde sus dispositivos y materialidad hasta las temporalidades que convoca, sirve a Rosa Barba (Agrigento, Italia, 1972) para explorar los mecanismos que articulan nuestra época, en la que cualquier posibilidad de ruptura solo puede partir del reconocimiento de una sociedad en la que la diferencia entre trabajo productivo y creatividad no existe y en la que nuestra dependencia de la técnica y los gadgets es casi absoluta. A través de desajustes, paradojas y desplazamientos, la artista desvela los ejercicios de composición de narrativas y los aparatos que las hacen posible. Sus películas e instalaciones desestabilizan los grandes relatos y proponen otras percepciones de lo real, en las que las tecnologías de encuadre y cifrado, los aparatos, se revelan como parte esencial en la organización de nuestras subjetividades, afectos y experiencias.
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/rosa-barba
Museo Reina Sofia . Museo de Cristal del Retiro Madrid.

27 de abril de 2017

El Guernica de Picasso cumple 80 años.


Con motivo del ochenta cumpleaños de la obra  de Picasso,  se presenta en el Museo  Reina Sofía de Madrid,  una exposición nueva titulada Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica.



Picasso se enfrenta en 1937 al reto de su primera pintura “pública”, una obra encargada por el Gobierno de la República, que sería expuesta ante los ojos del mundo en el pabellón español de la Exposición Internacional de París, durante la Guerra Civil española.
El Guernica, 1937


Bien es verdad que antes que a Picasso, el gobierno legítimo de la República  encargó a Arteta que pintara un cuadro emblemático que mostrara al mundo lo que aquí  había pasado,  Arteta declinó el encargo, estaba  cansado de la guerra y  lo que quería era exiliarse y reunirse con su familia en  México. Al final el encargo recayó sobre Pablo Picasso. Pintar el cuadro sobre Gernika hubiera sido un salto definitivo en la carrera de Arteta, pero no lo aceptó: prefirió reunirse con su familia a ser recordado en la posteridad.


Pero la universalidad de la obra de Picasso demuestra que es mucho más que el documento de un bombardeo. A través de la visita a la exposición “Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica”, descubriremos las claves de la importancia de esta imagen de nuestra historia, y nos acercaremos al genio como al hombre que le dio forma.
Con motivo de esta exposición, he recordado la entrada del blog de mi amiga Inma de El rincón de mis desvaríos:  elrincondemisdesvarios.blogspot.com.es. 

Aquí os la dejo.

LA ESENCIA DE PABLO PICASSO EN BLANCO Y NEGRO


Puede que Pablo Picasso sea más conocido por sus periodos Azul y Rosa y por el Cubismo, pero el artista español también usó el blanco y negro en sus trabajos. Su uso merece una consideración aparte. Sus trabajos en blanco y negro aparecen en casi cada década desde 1904, pero nunca tuvo un periodo blanco y negro y no está claro que sus numerosas obras en blanco y negro estuvieran cortadas por el mismo patrón.


Marie-Thérèse, cara y perfil. 1931.


Despojado de los colores que debilitan, el pintor exploró con seguridad y maestría formas y estructuras.

El Guernica a menudo ha llevado a muchos a relacionar el uso del blanco y negro en Picasso con la muerte y el desastre. Muchos de sus cuadros más importantes los hizo en blanco y negro y se resistió a vender muchos de ellos, Picasso era un magnífico dibujante. Para él el color no era necesario.



Cabeza de mujer, perfil derecho (Marie-Thérèse). 1934.


El Rapto de las sabinas, 1962


El Beso, 1969


Mujer sentada en un sillón (Dora), 1938


Las meninas, adaptación picasiana de las meninas de Velázquez, 1957


Naturaleza muerta con morcilla


La Piedad

Un guiño al baño turco: mujeres tomando el sol en la piscina, grabado

Mujer con sombrero, 1943


Los tonos monocromos de Picasso tienen su raíz en las pinturas rupestres paleolíticas y se usaron para explorar los trabajos de otros grandes artistas españoles como Velázquez, El Greco y Francisco de Goya, que también usaron el blanco y negro.
"El arte es peligroso, el arte no es casto; no están hechos para el arte los inocentes ignorantes. El arte que es casto no es arte". Picasso.

El osario, (París, 1944-45), un imponente lienzo en negro y blanco que registra la devastación brutal de la guerra.

El Guernica, 1937


Las Bombas, detalle del Guernica

El burro, detalle del Guernica

Mujer con vela, detalle del Guernica

Hombre con pipa, 1923

La Planchadora, 1904


En Picasso, no sólo el horror y las bombas de la guerra son blanco y negro, también el amor, la familia, la sensualidad, la ternura, las emociones, todo ello no tiene por qué necesitar de color. 

Me gusta Picasso en blanco y negro, tanto sus grabados, pinturas y litografías son excelentes. Me hubiera gustado asistir a la exposición Picasso en blanco y negro que hicieron en Nueva York, en el 2012, creo que fue espectacular. Pero me apañaré con ir a Málaga a su museo, allí hay una variedad inmensa. Espero que os haya gustado y hayáis disfrutado con el Picasso en blanco y negro. Extraordinario, como en sus pinturas en color. (Solo he subido una pequeña muestra)








"La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo". Picasso

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